Album songs：
Album Intro：
【音樂劇概念專輯】
「真的，我不知道我為什麼這樣悶悶不樂？你們說見到我這樣子，心裡覺得很厭煩，其實我自己也覺得很厭煩呢。
可是，我怎樣會讓憂愁沾上身，這種憂愁究竟是怎麼一種東西，它是從什麼地方產生的，我卻全不知道。
憂愁，已經使我變成了一個傻子，我簡直有點自己都不瞭解自己了。
」
——莎士比亞《威尼斯商人》第一幕
2019年，阿雲嘎出演話劇《威尼斯商人》男主角安東尼奧，他撰寫了大量人物筆記，不斷深入研究角色的心路歷程，光是開場一段關於「煩惱」的獨白，就讓他深深著迷。
嘎子發現：英國戲劇家莎士比亞創作於四百多年前的這部作品，對於人物心理狀態的描摹，穿越了歲月長河，直到今天依然會在現代人生活裡得到一種百分百吻合的對照與呼應，這是無比奇妙，屬於藝術的，不朽魅力。
我們為什麼煩惱？又為什麼而快樂？「阿雲嘎」在大家眼中，又是怎樣的角色？科班出身追逐夢想的音樂劇演員，經歷坎坷終於成名的幸運兒，孜孜不倦磨礪自我的創作者，焦慮著也幸福著的普通人……阿雲嘎和我們一樣，活在「痛並快樂著」的追逐之中，而「藝術」，是讓平凡生命為之發光的源泉。
聽一首歌，讀一本書，觀看一部電影，欣賞一場表演……「藝術」在人類生活裡無處不在，卻又常被「慾望」的陰影所忽略、湮沒、掩埋。
不是束之高閣，不是孤芳自賞，「藝術」，應該是讓我們在理想和現實之中，融合也超脫的那一把鑰匙。
也是阿雲嘎開啟新專輯靈感的鑰匙——以音樂劇演員身份走入大眾視野，他希望用作品尋找與大眾更好的交流形式，讓更多人感受「音樂」本身的魅力，但決不是標籤化他的身份，「音樂劇演員，本身就意味著你是一個歌手，是歌曲情感的表達者，沒有必要用形式去分類，而我的詮釋會帶入更戲劇化的呈現和處理方式，這是我的特色，我要做的是發揮優勢，不是侷限。
」
9首靈感源自《基督山伯爵》《櫻桃園》《小王子》等9部文學名著的歌曲，1首概念主題曲，阿雲嘎汲取養分，通過自我角度轉化為全新音樂作品，將「不朽的經典」與「現代人的生活」進行對照，挖掘出那些經得起時光考驗，人們內心深處不變的共鳴。
每首歌以名著所觸發的感受進行延伸，通過其中人物經歷、角色心理、時代背景進行主題創作，不是用一首歌涵蓋一部名著內容，而是根據最能引發阿雲嘎觸動的部分，昇華為不一樣的音樂創作。
源自藝術，感受藝術，融合藝術，這張專輯的形式，打破當下華語樂壇固有模式，帶來全新生命力！阿雲嘎想要表達的是，藝術「The Art」是「不朽的」，而他扮演了一個發現者、串聯者、歌唱者、致敬者的角色，有豐富解讀空間。
「在人生不同階段重讀經典著作時，我們會發現經典之所以為經典，在於傳遞的情緒、情感，竟然都可以與當下心境產生不同共鳴，穿越時間和現代人的悲喜憂歡共通。
時間變幻，情感卻是不朽的，我希望用音樂重新發掘這種不朽的魅力，喚醒我們原本就有的對於藝術、生活和愛，那種最原始的感知與衝動。
」
——阿雲嘎
1、不朽的（Immortal）
專輯概念曲，開啟所有不設限制的藝術碰撞之序幕。
擔任專輯A&R企劃統籌的流水紀，在跟嘎子討論生命起源話題時萌發了靈感，在文字中融入各種奇幻瑰麗畫面感，阿雲嘎用極具煽動力的旋律和唱腔，引出了關於時間與空間，地球與天外，已知與未知的一場想像力大爆炸——人類創造藝術，藝術記錄人類誕生至今所有的奇蹟，Lyrics描繪出各種對比和衝突的意象，講述生命、宇宙、渺小、偉大不斷輪迴著的神秘與未知，無論音樂、詩歌、雕刻、繪畫……藝術源自人類一切已知未知的探索，各種形式都是不朽，是人類之所以感知一切的原因，我們應該從物質繁華的假象中覺醒、出發，去找回藝術和愛的本質。
編曲在Alternative風格中融入Retro future+Electronic Music風格，從魔性點頭的復古前奏，遞進到間奏後的Dubstep，最終回歸到復古電子樂，每個段落都讓旋律和Lyrics部分有不同的演繹，融入了多種元素，卻不會違和，寓意著藝術本身就該有的無界魅力，無論在殿堂還是廣場，我們都可以隨心起舞。
間奏部分引用法國巴洛克作曲家、音樂理論家讓‧菲利普‧拉莫羽管鍵琴作品Suite in E Minor, RCT 2: VIII. Tambourin，加入新創作花腔，邀請廖佳琳跨刀演繹，將音樂氛圍瞬間拉回久遠18世紀，卻讓現代人聆聽時渾身熱血激盪。
最後副歌用大合唱方式還原阿雲嘎「世界之王」式的震撼演唱感受，結尾採用淡出Fade out，是希望這種已經不太常見的方式還原大家聆聽時一種體驗：有時候，我們寧願歌聲只是離我越來越遠，是聽不到了，而不是「結束了」。
2、心島（Love Island）
靈感源自大仲馬所著《基督山伯爵》。
因為被人陷害，唐泰斯由婚禮上的新郎淪為囚犯，在牢裡捱過黑暗、漫長的14年，逃出虎口後來到基督山島，找到寶藏，運用財富和智慧開啟了復仇計畫——作詞以主人公生命低谷的心情為突破口，寫出最黑暗時卻最嚮往光明的希望。
也許，每個人都正在生活裡「抗爭」，渴望離開畫地為牢的現實禁錮，擁抱無邊無際的大海，而這首歌是「強心劑」，鼓舞大家打破自己的邊界，前往自由的心島，別懼怕，那些生命中的驚濤駭浪。
拿到Lyrics後，嘎子和專輯聯合製作人筱真在工作室即興創作，嘎子通過自彈自唱譜寫出旋律，然後在其中融入Lyrics，從下午兩點到晚上11點一氣呵成整首作品。
製作上，按照嘎子演唱時的內心劇情發展，從引子帶入感到尾聲預示性，整個編曲充滿了戲劇化衝突，是交響樂、古典音樂和流行搖滾的有機結合，開頭採用類似海頓奏鳴曲的和聲排列和演奏技法，間奏鋼琴、大提琴和女高音三重奏是一次創意融合，阿雲嘎的詮釋更貼切戲劇類表現，富有張力，音色比之前呈現的作品更加渾厚，吐字更注重字正腔圓，完美支撐起這首需要強大張力的作品。
3、櫻桃樹下（Under The Cherry Tree）
靈感源自契訶夫所著《櫻桃園》。
故事在這座園子裡發生，它承載著上一代人的記憶，象徵著一個時代、一種觀念，而在故事結尾，它卻不得不面對要被拆除的命運，曾經生活在這裡的人們也被迫離開，開始新的生活，在詞作者田薇淇看來，「櫻桃園」是唯一無法離開這裡的，只能默默數著時間流逝，靜靜地看著人類命運中必然的成長、老去和終結，最後迎來自己的終點，那麼，它會對必須要離開的人們說些什麼呢？它又會如何看待自己的命運？
於是，阿雲嘎的《櫻桃樹下》昇華出了新的意境——如果離開意味著成長，那麼作為我們最初出發之地的「櫻桃園」，彷彿是故鄉，是家人，是摯愛，對我們做出無盡的囑咐與祝福：要溫柔地對待過去、現在和未來。
別忘了，我們每個人生命中都曾有的那個「櫻桃園」般的存在，等待著，守候著，也見證著。
作曲和製作邀請打造法國音樂劇《搖滾紅與黑》的著名音樂家William Rousseau為阿雲嘎量身定製，William仔細研究了阿雲嘎很多演唱視頻，彼此溝通討論超過半年，最終完成的《櫻桃樹下》是嘎子第一次嘗試流行元素如此重的作品，在演唱上有很大突破，咬字方面也反覆打磨，力求帶來不一樣的突破。
4、娜米達（Namida）
靈感源自安托萬‧德‧聖‧埃克蘇佩裡所著《小王子》。
「小時候，媽媽說，故去的親人就是天上的星星。
那時我還沒有經歷過分離，我喜歡看媽媽的眼睛，漆黑卻明亮，深邃又溫暖，像極了草原的星空。
時間飛逝，快得連流淚的時間都沒有。
2020年春節，週遭世界突然安靜了，人們待在家中，一日三餐，平淡幸福，也有人必須獨自面對黑暗夜晚，告別至愛親朋。
疫情期間，我看到了太多生離死別，又必須堅強面對的故事，我想唱，想表達。
一天下午，我在鋼琴上隨手彈出一段旋律，自然地哼唱出『na mi da'，朋友說這幾個音是日語裡『眼淚』的意思。
積壓了很久的情緒，瞬間找到釋放的通道。
四月，旋律創作接近尾聲的時候，我失去了一位親人。
非常時期，我無法送他最後一程。
最痛苦的時候，『相信』是唯一救贖。
我覺得，娜米達是眼淚，是流星，是悲傷，遺憾和愧疚，也是一個悲觀的孩子長大後的陽光和信念，這種感覺也讓我想到了《小王子》那本書，是最孤獨也最美好的童話，於是我嘗試用一種單純心境來寫出這首歌的文字，不管現實怎樣沮喪，都要帶著希望。
」
嘎子自述《娜米達》創作過程，來自他觸碰心底的柔軟，Lyrics和旋律都淳樸而純真，如同直抵聽者內心「微笑的眼淚」。
編曲製作邀請著名音樂人鐘興民合作，在抒情大氣的前半段過後，間奏變化令人驚喜，沒有延續之前鋼琴交響樂風格，而是帶來更多戲劇化式跳躍感，嘎子在演唱上特別處理間奏之前的敘述和間奏之後的律動，不僅凸顯音樂不設限制的多元性，更唱出那份不會熄滅的「希望」。
5、《牧羊少年》
靈感源自保羅‧柯艾略所著《牧羊少年奇幻之旅》。
牧羊少年聖地亞哥，受夢境驅使，放棄牧羊人的生活，從西班牙南部出發，跨過海洋、穿越沙漠，一路來到埃及，在雄偉的金字塔下尋覓寶藏……對於嘎子來說，他覺得自己彷彿也是那個牧羊少年，同樣出生、成長在遼闊草原裡的男孩，懷抱著夢想，闖蕩這世界。
不知道跋涉了多久，終於一點點接近自己的夢想，遇見更多真心喜歡他、珍惜他的夥伴們——在嘎子看來，《牧羊少年》是自己的一次 「感謝」，感謝這一路上發現自己、陪伴自己的人，就像那本書中說，「當你真心渴望某樣東西時，整個宇宙都會聯合起來幫助你完成」，所以他決定邀請眾多歌迷，組成氣勢磅礴的「百人合唱團」，收集來自天南海北朋友們的歌唱，共同錄製完成《牧羊少年》中的大合唱段落，傳達出「有不凡的平凡」，那種振奮人心的力量。
歌曲以溫柔鍵盤開場，隨之揚起激昂旋律，阿雲嘎的詮釋一如少年般熱血而鏗鏘，傳達出躍躍欲試、整裝待發的力量，他的歌聲裡，每個人都擁有自己的黎凡特和羊群，我們正在人生旅途中不斷地看見自己，找到自己，最後成為自己，意識到原來真正的寶藏，其實就是這段尋找的經歷。
《牧羊少年》就像一首「成年人的兒歌」——我們不能讓所謂「成熟」帶走少年獨有的那份銳氣，帶走實現夢想的那種可能性，應該傾聽自己的心，「你的心在哪兒，寶藏就在哪兒！」
6、《2021太空漫遊》（2021:A Space Odyssey）
靈感源自亞瑟‧克拉克所著小說，由斯坦利‧庫布里克執導的同名科幻電影於1968年上映。
英文原名2001：A Space Odyssey。
Odyssey是漫長苦旅，也是《荷馬史詩》最重要的篇章「奧德賽」，神秘的黑色巨石開啟了人類智慧，由進化指引人類向太空深處，如同海上漂游的奧德賽，這樣的深空探索，是為了尋找真諦，亦是尋找自我。
我們生活的藍色星球，在茫茫宇宙，本就孤獨。
或許，當地球上的人們望著星雲，意識到身而為人的孤獨，自我探索就已經開始。
創作者及製作人范憶堂，和嘎子深入交流後，決定用蒼涼而深邃的編曲，搭配極具想像力和詩意美感的詞曲，完成嘎子想在歌裡傳達的感受——原始、自然、科技、文明、個體、集體……我們在太空或者心房之間的「漫遊」，是永遠在尋找，在路上，不斷重複著的循環吧！這是一首思考人類與萬物之間，相互依賴又彼此破壞之關係的作品，有太多迷人的角度可供聽者玩味，解讀。
看似科幻而未來感十足的華麗氛圍裡，古典管絃樂鋪陳出的層次感，如暗夜綻放花朵，散發「一花一世界」那種渺小VS偉大，時時刻刻都在進行著轉換的美妙與刺激。
嘎子的演繹，滲透進了他民族血液裡的特質，與「荒野」、「燎原」等詞句渾然一體，是自然而非拿捏能做到的揮灑自如。
「深不見底的深空」這種高難度的句子，他卻帶出強烈的少年感，這大概就是，赤子之心。
7、《被雨淋濕的人》（Let It Go）
靈感源自莎士比亞所著戲劇，也是阿雲嘎籌備整張專輯的緣起——在扮演男主角「安東尼奧」過程中，他發現了名著之所以「不朽的」藝術魅力，在於經歷歲月變遷後，依然對一代又一代人的思想和生活產生巨大影響，身為歌手、創作人的自己，從這些名著中汲取的養分可以化作新的作品，和更多人碰撞和交流。
《被雨淋濕的人》由安東尼奧關於煩惱的獨白出發，穿越了數百年時光，依然一瞬間無縫連接進現代人的生活——我們的「煩惱」，究竟從何而來？清晨臥室醒來那一刻就百爪撓心，大街上四處衝撞卻無法突出重圍，直到深夜萬籟俱寂時內心還在翻滾煎熬……作詞人流水紀根據嘎子的旋律，構建出一個個困獸猶鬥般的，現實與夢幻交織的場景，編曲和演唱都以躁動而硬核的搖滾元素貫穿始終，嘎子展現極具爆發力的唱腔與澎湃的情感衝擊力：當經歷太多無處不在、密不透風的束縛，我們終於在「一了百了 愛誰誰」吶喊中，迎來「愛上誰 不是罪」的徹底爆發，但不是發洩，是最真誠而燃燒著熱血的鼓舞！
是的，莎士比亞寫下的劇本有太多深意可以解讀，正如人們的情感關係如此纖細而豐富——誰規定「愛」是什麼樣子，什麼樣子的「愛」是唯一正確？其實，一切沒有標準答案，一切無法被約定俗成。
嘎子的歌聲，是最猛烈而真誠的鼓舞，鼓舞人們都應該勇敢地視自己的內心，去接受和擁抱那麼多不一樣卻一樣動人的愛。
如果你也是「被雨淋濕的人」，別害怕一時暴雨讓自己狼狽不堪，要相信，經過考驗的我們，就像雨過天晴後出現的彩虹，會有最迷人的美。
8、變形記（The Metamorphosis）
靈感源自弗蘭茲‧卡夫卡所著小說。
很多人在提到原著的時候，都會提到「人變成甲蟲」所反映出的人性被社會上某些唯利是圖風氣所扭曲、異化的荒誕與諷刺意義，但嘎子卻在反覆閱讀文字中，發現了主人公格里高爾即便經歷毀滅性的打擊，對於「媽媽」所代表的家人，那種純粹而炙熱的，「烙印」般的愛。
製作人孫彬赫聽到嘎子關於這首歌的敘述之後，腦中浮現就是這兩個字：烙印。
《變形記》裡的阿雲嘎要訴說的是一種極其深厚，刻進了肉體和靈魂的告白，從開頭鋼琴和絃樂純音樂前奏，搭配男人憂鬱的念白開始，就以沉浸感極強的音樂劇氛圍層層遞進，訴說和演唱纏繞在一起，像變成了甲蟲的人在無力地伸出觸角，副歌一聲聲呼喚的「媽媽」，是絕望而悲愴的求助，震撼人心！
這是一首阿雲嘎彷彿用盡全部力氣詮釋的作品，是一個人表演的一部音樂劇，有太多戲劇化細節值得反覆體會，嘎子想提醒我們的卻很簡單，就是好好「珍惜當下」，珍惜生命和愛，因為永遠不知道明天會發生什麼意料不到的變化，與其失去後追悔莫及，此刻和所愛的人彼此呵護，是我們可以做到的事情。
9、華麗世界的幻覺（A Grand Disillusionment）
靈感源自弗朗西斯‧斯科特‧基‧菲茨傑拉德所著《了不起的蓋茨比》。
關於愛的幻覺，哪怕如蓋茨比一般恢弘壯麗、聲色犬馬，最終也一樣破滅，更遑論你我這樣的普通人，雖然這樣的破滅也很美，因為「破滅」恰恰說明曾經存在過，「破滅」本身就是「存在」的反證，只是這樣的破滅太痛苦了！因為失去的，不只是愛本身，更有最美好的期待，和多年的心血。
製作人張筱真聽到嘎子創作的旋律後頗為驚豔，閃現了一個念頭，「這首歌應該是大提琴和人聲的對話」，於是特邀大提琴演奏家朱亦兵助陣，整個音樂段落採用迴旋曲結構，純交響樂伴奏的古典配器方式，周而往復循環中，嘎子的詮釋卻不會讓人覺得乏味，一遍編如同幻覺般似是而非的節奏裡，所有人的靈魂底色彷彿被嘎子冷靜而不動聲色的演唱所揭開，揭開他人的殘忍和自己的愚昧。
很多時候，我們無法確認我們到底是真實活在一段感情裡，還是活在我們自以為的幻覺裡。
嘎子希望，這首歌在大家腦海裡回味的時候，可以找到世間最真實的情感，不要沉溺於不切實際的幻覺，無論它有多美。
10、我等了你五十一年九個月零四天（Fool Around With You）
靈感源自加西亞‧馬爾克斯所著《霍亂時期的愛情》，講述一段跨越半個多世紀的愛情故事：男女主人公在二十歲的時候沒能結婚，因為他們太年輕了；經過各種人生曲折之後，到了八十歲，他們還是沒能結婚，因為他們太老了。
在五十年的時間跨度中，作者展示了所有愛情的可能性，所有的愛情方式。
深受觸動的嘎子，一直在想該用怎樣的音樂來表達自己對這個故事的感受，而他親自譜寫的旋律誕生後，大家一致認為：應該出現一個女聲，加入到歌曲裡，和嘎子一起共同完整小說中男女主人公沒有圓滿的愛情，彌補這個遺憾，而聲音裡擁有溫柔也堅韌力量的譚維維，是不二人選。
這首歌表達了三個層次。
第一層是荒唐，「充滿希望的最絕望」、「肆意飄蕩是最堅定方向」，甜美的被流放，充實的虛度時光……都是看似矛盾的狀況，本身就有一種馬爾克斯般的魔幻現實感，男女本身的行為就是荒唐的，反世俗的，但是愛本身就是荒唐；第二層是荒涼，在船上飄蕩，沒有前後左右，沒有方向，時間和空間都進入了隨機模式，但外部的荒涼很多時候也意味著內心的豐沛；第三層是茫茫，此時，東西方的名著產生了「意會」，如同《紅樓夢》「落得個白茫茫大地真乾淨」，和這首歌的終極狀態，產生了一種奇妙共鳴。
嘎子和維維的合作演繹，就像進入了這三個層次後，已渾然忘我的境界——愛情虛幻，好像看不見也摸不著，可是它又很強烈，強烈到你無法得到的時候，像是得了一場霍亂。
愛而不得之後，每個人都有不同選擇，有的人選擇妥協退而求其次，有的人選擇埋葬過去重新開始，有的人選擇一直等待堅持，嘎子和維維要表達的就是這種超越時間和空間的堅持。
在那條被命令來回航行的輪船上，為了獲得徹底的寧靜，男人女人讓船長掛起代表霍亂的黃旗，當船長詢問這對奇異的老年情人返航時間時，阿里薩，費爾明娜的男友，給出了答案——一生一世。
（文案：流水紀）
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